Switch leading and coguiding

For several months now, the video below went viral amongst dancers. The speakers, two professional dancers are explaining a concept existing for decades in social dancing but unusual / partly ignored / rarely put in words before : if you get rid of the gender roles of partner dancing, then you can learn both roles and build a new dialog with your dance partner by switching lead during a dance.

Liquid lead dancing

Trevor Copp and Jeff Fox called Liquid Lead the concept they invented of switching leader during a dance. For people who are social dancing for a while, it seems obvious they didn’t invent the concept of switching in itself, already existing in almost every social scene today. But in a context of professional dancing, professional shows and representation in the big medias, claiming switching and same sex dancing is for sure unusual.
They make a very interesting point in saying that the mainstream vision of dancing, is a bit narrow-minded with the usual he leads and she follows. And even beyond that : the white couple, with a man leader, tall and decided, with a female follower, petite, light and cute. And they wisely advise us to open our standards.

As beginners, we are not opened to the concept of mastering an other role than the one attributed to our gender, and not prepared to switch, which would mean master them both. Switching is something you generally learn after a while.

All the dance scenes are not equal

All the dance scenes are not equal with switching leads. In latin dances like salsa / kizomba / bachata it is probably uncommon to rare. Tango and ballroom developed Queer scenes, which is the perfect place for a dance free of gender rules, but I find it somehow sad because it means we oppose Queer and Traditional. Queer being the funny open side, traditionnal being spotted as the old-fashion-not-funny-scene “stuck” with their barriers and old codes. And I believe the dance and communities would better grow, evolve and create with everyone.

It seems to me that blues dancing is the winner of switching, with a great liberty during social for both men and women, a teaching free of gender roles, specific workshops about switching. Some festivals even allowing people to register as lead, follow or claiming switch.

A few questions to Justin Riley, international blues dance teacher

Justin Riley (http://www.justindance.com) & Ruby Red (http://dance.ruby-red.com), switching leads in the kitchen
The first couple to compete in Blues as a fluid lead/follow switch partnership. And finish on the podium.

Justin Riley

Justin Riley, International Dance Teacher and DJ, is specialised in Blues, Alt-Blues, Fusion and Partner Connection.

Since 2001, Justin has studied, danced, and taught over a dozen forms of dances in more than 30 countries. He brings an international and nuanced style to every class, DJ set, and dance he does. In 2005 Justin fell in love with the Blues, Fusion, and Alternative-Blues movement and has never looked back. Since that time, he has become recognized as an international instructor and community organizer.

[More about Justin Riley]

What’s the philosophy of your workshops about switching?

When I teach switch, there are very few differences from when I teach more conventional leading and following : posture, rhythm,  creating and filling space, concepts of a relaxed, open frame allowing both bodies to be free to express as well as connect, all remain the same.

However, when teaching switching I instead am able to teach what are considered more advanced ideas of partnership from the very beginning : listening and responding to your partner rather than just purely leading or following,  frame, tone, and rhythm matching, and other concepts that I usually would not teach a beginning class. I often use switch dancing in classes to more easily teach advanced lead or follow techniques. Regardless of if people have any interest in dancing Switch in their own dancing, exercises done in Switch are very powerful teaching tool and help us all break down the assumptions of how we as humans and dancers relate to one another. 

Is there any switching rules? Who should ask who ?  Should it be spontaneous?

The base rules for dancing Switch are the same as dancing any role. Ask for what you would like the partnership to be, be clear and specific, or vague if you don’t have specific needs. If I want to be led by the person I’m asking, I’ll ask, “would you like to lead me ?” just as if I wanted to dance switch I’ll ask to dance switch. Although its always more complicated then that, and should be: “oh, I’m feeling a bit tired today, so I’d like to follow mostly.  If I feel like switching or leading later in the dance I’ll let you know. Or I can catch you later if I feel up to leading later?”  Its always more complicated, and we should honor those complications. The most important rule is that both dancers feel comfortable and able to shape the type of dance relationship that they want in that moment. And if they can’t find something mutually agreeable, there are lots of dancers on the floor.

In terms of rules during a pre-agreed Switch dance, they don’t change from any more conventional partnership.  Listen, respond, create and fill space, give ideas and add to your partner’s, play, express, value the partnership, they are all the same. In my lexicon, the dancer that creates the space is the one who leads the movement, and the one who filled the space is the one who followed the movement.  What happens otherwise is just standard partnership.  But even in conventional lead/follow partnerships, lead/follow is never 100%.  Every partnership is dynamic, no matter how straight the dancers feel it to be. 

Switching with a man or a woman, is it the same thing?

Gendered traits certainly have a large impact on a dance or partnership, just as trained traits do.  My friends, regardless of gender, who are better listeners in their lives tend to have an easier time switch dancing… and partner dancing in general. While those that are not good listeners have a harder time.  I find that as a CIS man my dances with my other male, trans, and non-binary friends tends to have an easier time disregarding hetero-patriarchicaly based ideas of how our bodies are supposed to relate in a dance.  My dance partnerships with CIS women can also be quite non-binary driven, but it is a different process of breaking down existing social expectations as opposed to having a partnership that lacks those inherent relationship expectations.

If you’re looking for further informations about if it’s possible to teach both roles and switching in dance classes, there is a good article about it on Ambidancetrous.

Coguiding, when there is no leader

There are dances you can coguide. It’s not switching, neither counter-leading. I believe it’s more frequent in bal folk than other dances – probably because dances of circularity are especially adapted for it – and in the micro-blues dancing style.

In fact, coguiding isn’t really about guiding. It is more about colistening. A lot. If switching means there is a leader, and there is a follower, that status changing during the dance, in coguiding there is in fact no leader. Two followers are focused on each other to listen to variations and musicality, when from time to time your whisper is stronger than your dance partner’s, sharing the same impulse.

Position for coguiding

I heard several terms from hugging position, to egalitarian position,  and coguiding position… It means the embrace is closed, one arm over, one arm under your partner’s, mixing leader and follower positions.

Position égalitaire, à la valse ça tourne tourne tourne
Position égalitaire, à la valse ça tourne tourne tourne

That position is completely round and is perfect for waltz and turns. With both of your hands on your partner’s shoulders, your arms connected in a comfortable hoop, you can put your back weight into his hands and use the couple’s balance for amazing turns. It is as well the perfect position for tiny crowded dancefloors.

Photo : Julien Wieser Folkographie - Chatillon en Diois 2015
Photo : Julien Wieser Folkographie – Chatillon en Diois 2015

Just be careful with a couple of thing :

  • It’s a circle, beware of your elbows !
  • It’s more comfortable when your hips are aligned with your shoulders, like every close embrace position, hips forward can lead to awkward situations.

Swedish dances : using the partner’s energy to turn

Swedish traditional dances like Polska are using a lot that position. A lot of swedish dances switch from a side by side position to powerful turns, using the partner’s body to put energy in the turn. They is a LOT of technical (and amazing) stuff going on there about frame and couple dynamics.

Anton Schneider and Petra Eriksson demonstrate Finskogs pols, music by Yenu (Jenny Demaret and Mael Nesti)

Waltz : why we should just share the lead

With beginners, I always end up dancing waltz in the coguiding position, especially with men beginners.

  • It forces the couple to have parallel shoulders, and as open position induce a different angle, I find easier to teach waltz rotation that way
  • It’s easier to put the energy of the rotation, so even if the steps are not there, we can still rotate
  • With a beginner leader, you can share your knowledge without actually leading him

Switching or sharing lead, not counter-lead

As I am a commitetd defender of switching and co-guiding, I would just temper a bit : as respect for your partner is the first and major rule in social dancing, it is very impolite to force any moves or switch on your dance partner.

You don’t switch…

  • because your partner is “not good enough”
  • to show him/her the “good steps”
  • If he/she doesn’t want to
  • Without warning

The better way to be sure switching is ok is to ask. With some friends, I don’t need to verbalise it. With them I know it’ll be part of a dance challenge. For some people, I just don’t.

Because some people are only leads, or only follow, and that’s completely ok.

Because even if I am a very nice girl and a decent lead / follow, at that moment some people don’t want to switch.

And if you want to read more about that theme, as always there is also brilliant articles about it on The Dancing Grapevine.

Mazurtango and romantic folk

The band announced a mazurka. The room is filled with people looking desperately for a partner. « I always dance the first and the last mazurka with my girlfriend / boyfriend » say some people. With years passing, I have the feeling that bal folk’s couple dances, especially mazurka, are transforming under a « romantic effect ». Melodies are tender, tempos are slower, bodies are closer… and the tango slightly makes an entrance…

Mazurka’s metamorphosis, a study by Eric Thézé

The mazurka is one of the most popular dance in bal folk today. One of the 4 main couple dances : mazurka, scottish, polka and waltz. It is probably the dance that evolved the most and the quickest since its creation. Some major evolution in its musical approach, in the manner of dancing it and in its popularity.

In 2006, Eric Thézé, dancer, musician and composer of many mazurkas, wrote a study untitled “Les Métamorphoses de la Mazurka”. He describes the roots of the mazurka dance as following :

The Mazurka is born in Poland.[…] During the years 1830, a lot of Polish, chased and hunted down from their home after the division of their country between Prussia, Austria and Russia, emigrate toward Western Europe. Amongst them, Frederick Chopin set up in France and by his numerous compositions and performances, contributed to the mazurka’s fame.[…] First danced in the high society, the Mazurka spread out in the different regions of France and takes different forms.

Mazurka Metamorphosis

Practices from traditional inspirations and teaching, by Eric Thézé. This text was presented during a seminar of the research department of the French-British relations, University of Lancaster, and a meeting around the mazurka, organized in April 2006.Les Métamorphoses de la Mazurka – Eric Thézé

Here is the dance we are talking about… These mazurka are still danced in re-enactment society, like Le Quadrille Français

Mazurka 1845 - Wikipedia
Mazurka 1845 – Wikipedia

We therefore have the vision of a lively and codified dance, far from the languorous rhythms we hear today on the dancefloor. So what happened ?

The beginnings of that young dance that came from Paris were eluded by collectors, more focused on local dances from the countryside (richer) until the seventies in Samatan, a little village from Gascony (South West of France) is noticed amongst other versions. Pierre Corbefin, Director of the Occitan Conservatory recorded it, and then teached it, spreading it and making it popular. Eric Thézé writes :

One of the characteristics of  that mazurka is that it is less jumped than the others. More flowing or sliding, it didn’t have that joyous and bouncing aspect you could see elsewhere.

We were already quite far from the mazurka from the victorian society and the comfortable « salons » of Chopin. The mazurka already transformed for its first major evolution.

Mazurka de Samatan
Mazurka piémontaise

The new bal folk « slow »

These past 20 years, we saw a new main evolution coming, distinguishing the mazurka as one of the main dances of folk, the slow and romantic song. The bal folk new Slow.

For twenty years, from 1970, the image of the mazurka transformed thanks to Pierre Corbefin and to answer to the dancers demands. It happened a conjunction between a collective mechanism and an individual initiative. That collective mechanism operated with the development of couple dances. Gradually, the proportion of couple dances in a ball increased, people started to ask for more sensual dances, not only entertaining, but permitting to improvise freely.[…]

In the years 1980 to 1990, some musicians, or deciding to answer to people’s demands, or because they just felt like it, started to play mazurka to a slower tempo, promoting a manner of dancing more flowing than jumping, and much more adapted to the dance teached by Pierre Corbefin and his students.

Clearly, I think that new generations of musicians and dancers, and the evolution of the music for dancers (like broached in  The amazing creativity of bal folk music ) had a huge effect on the way we are dancing today. As musicians were influenced by music from abroad, dancers were influenced by other dances like tango, salsa, contact dancing, rock n roll …to spice up their dance.

Eric Thézé allude to festivals and their night jam sessions as the incubators of these transformations…

Because at night, after the disappearance of the sound system, between 3am and dawn,  musicians and dancers can express themselves freely, without thinking, in a more intuitive way. The same dancers whose role during the day is to speak up and explain the dances during their workshops, transmitting something more than steps and figures. The energy that enliven them, can push away the weariness, give them all the hope to see the sun rise. Meanwhile, because they will have to analyse and transmit, they make their own representation of the dance evolve, they will create new variations where they just experimented without words. These new variations will be applied by their students in a mechanical way, because it will be explained, quantified, fixed… Until they, themselves, will be drag to the nocturnal practice. They will then drop their own practice and what they learned before, to experience dancing on their own.

More and more, the idea to focus on connection between dance partners instead of doing little jumps, makes its way amongst the dancers.

Mazurka is a dance in 12 tempos on a musical phrase. Tempos 3 and 9 are marked in the air, usually a small jump. The new tendency is to jump less, the marked tempo being now a small pause rather than an vertical impulse. Some dancers use that energy horizontally, roundly , instead of vertically, to increase the speed of the turns, and creating new variations.

As the music becomes more and more intimate, new tunes follows that scheme…

When tango shows up in our dance classes

Frisse Folk

January 2002, Koen Dhondt starts giving folk dances lessons in Bruxelles. 15 years later, Frisse Folk has become a reference for folk dances in belgium and a dance school of solid reputation. Koen Dhondt is the founder and president of the society. Since 2011, he is assisted by the multilingual, polyvalent Elena Leibbrand in the organisation of dance classes, workshops and numerous balls.

[More about Frisse Folk]

There are many workshops of variations for mazurka, allowing dancers to spice up their dance, experiment and open the horizons of dancing. Koen Dhondt, folk and traditional dance teacher in Bruxelles, proposes some of these workshops. Teaching in Belgium for 15 years under the banner of Frisse Folk, he organises Tangurka workshops regularly with his dance partner Elena Leibbrand.

Last november, Frisse Folk organised a ball with Duo Absynthe, the ultimate « romantic » band , and in the same time  proposed a workshop about mazurka tango. Do you see mazurka as a romantic dance ?

I don’t know if we can define Duo Absynthe as a romantic band but they indeed play slow mazurkas, as a lot of bal folk bands / neo folk bands in Europe. It can create romantic atmospheres, and it influences the dance as well as we will dance and interpret differently depending on the tempo.

Even if there are dances that, clearly, create an intimacy between two people, we shouldn’t associate all the mazurkas to the word romantic. It would be restrictive, especially as historically it was danced very differently.The tempo was much faster, the steps were much more marked and bouncy. Some bands still play it that way.

The techniques we wish to transmit are not in the idea of making the dance romantic. It is an ensemble of keys to play with your dance partner. Folk dancing means you can add and mix new techniques to make your dance richer.

What can we learn from tango ?

Notions of posture of course, but it is something we work from the beginning at Frisse Folk. In tango you have possibilities that does not exist in bal folk : different techniques and position, we try to mix it all. First of all, I am interested in little tango techniques we can use easily in couple dancing. It’s working great in slow mazurka but it can be used in other dances as well like scottish, valse, polka, etc. to improvise and explore other techniques.

In mazurka you have a lot of steps in rotation, we will add movements forward and backward, eventually notions of dissociation of the upper body and the hips.

Is it a way to bring people to tango ?

It can be a soft transition for some people. Tango is a very popular dance, and there are a lot of people we a good level of mazurka who are looking for new things and a greater technicity.That’s why I wanted to propose these workshops. The first workshop I gave, it was with a friend, a tango teacher. We danced a lot, experimented steps, elaborate a transmission… Always in the idea of keeping the pleasure of dancing and improvisation. Transmitting notions of tango through a dance people already know, for many it is a first approach without complexes.

Mixing mazurka and tango, is it still a mazurka ?

We dance so many mazurkas that, after awhile people want to do things differently from time to time. We push the limits, sometimes it works, sometimes not. I allow myself to make experiments to a point where we can say the notion of mazurka is lost. We will work on a combination and transition from the basic step to tango, and reverse.

We don’t want the label of « tango mazurka teachers ». Yes, we teach it sometimes but it’s not the only thing we do. I have a traditional side and a huge respect for it. For me, folk dances and traditional dances are not black or white. It’s a spectrum with a lot of shades in it. These workshops might be the most « folk » I do. A workshop of Bransle Béarnais will be on the opposite side and I appreciate to do both.

Dansstage Tangurka: cunita & cruce met Koen Dhondt

Stage de Tangurka avec Koen & Elena, le 16 avril 2017 à Anvers. En savoir plus

So there is not opposition between « folk » et « traditional » ?

For me, the word « trad » or « traditional » is used to point out the way dances were practiced in the rural society. There is a patrimony to keep and to save and it’s very important. And I call « Folk » that actual current where you can take liberties and distance with what was danced at first. It is a field where we can bring a different kind of amusement and creativity, mixing new things.

I am an adept of traditional dances as well. I try to apply that aesthetics and rigour to the countryside dances : congo, bransle, bourrées, bourrées auvergnates… Meaning dances from a specific region, more or less preserved and transmitted until now. I try to transmit it in a correct way. Then, to people who really master it, we try to go further and bring some variations, more personal, with more creativity. But for dances from the 19th century like mazurka, scottish and valses, that does not belong to a precise spot and is not in a repertory to maintain, then I have a free attitude.

A conscious choice

There’s nothing wrong to let influences from outside open our possibilities in dancing. Still, Koen is in favour of a conscious choice. A deliberate choice of following the basic step or not, but as a root to know your basics and what you are doing.

Yes, the dance is alive. Some people say “If you’re improvising you can do whatever you like… » It’s not an excuse to do nonsense, sometimes without knowing the original steps. I think the traditional dance society was evolving as well but because people mastered their basis so well they finally added a personal style to it. Today, some people don’t even make the effort to learn the roots of their dance, or they didn’t meet the original version : they saw the copy of a copy. They might start creating something else before even integrating the basics,  but that’s not an evolution it’s a break.Koen Dhondt

An evolution that doesn’t fit for everyone

Like many dancers, I’ve heard a lot of negative remarks about people stepping outside the basic to flirt with other dances like tango or salsa. First I would like to say that, if it doesn’t hurt or trouble the good continuity of the Ball and well-being of the dancers, then everyone is free to dance however they like, even in a very crazy way. The most important being in symbiosis with each other and the music. I would personally avoid contact dancing on traditional mazurka, but your choice… Everyone is responsible for its own musicality only.

A recurrent reproach is about the word mazurka in itself who would be misused today, the contemporary mazurka not being mazurka anymore. So we should use another word to define it… I believe that a word used by thousands of people, dancers and musicians, cannot be wrong. There is not one mazurka but mazurkaS and the new generation is part of it. In the end, everyone will probably defend the version they are used to. Was it traditional mazurka after all ? Everyone will have its own interpretation, is it the quadrille version ? The jumpy one ? The non-jumpy one but without fancy variations ? The non-jumpy one but with variations pre-1980 ?

First, I believed that Samatan’s mazurka was just being distorted by bal folk dancers, like many other dances before […] But I finally realized that dance wasn’t « deformed » but « metamorphosed » in various form, here and there, maybe with excesses, maybe with failures, but mostly beautiful successes, to watch and to feel, to share with other dancers […] In a traditional transmission, no one dance reproducing an analysed scheme, no one dance exactly the same way, as no musician play the same way.Eric Thézé

We, dancers, choose our dance frame. It seems clear that in a social dance, openness towards influences should be accepted. That a certain strictness might be asked in a context of re-enactment is something different.

If we dig in criticism a little, an other echo that comes out sometimes – and this is an important one- is the imposition of physical proximity. Originally mazurka is dance in the « open modern position ». With music and steps slowing down, dancers are getting closer, and everyone is not at ease with that. We reach there the notion of consent.  It isn’t only about mazurka of course, but within a dance where people get closer when before it was not, we have to make sure our dances partners are ok with that. Being uneasy when you dance is not acceptable and the subject is so vast I send you to another article I wrote about it : Engage your body into the dance
When it's too much
When it’s too much

I hear sometimes the words marshmallow mazurka, dirty mazurka, etc. I don’t know if it’s a trend that will last, and very likely that each dancer has an experiment and a marshmallow period,but it’s at that point that introduction to tango seems especially useful to me.  Tango being the close embrace dance by definition, the relation to the partner and the dance posture has been studied, codified, and allows people to dance together in good conditions. We can evolve for years in folk dances without taking any lessons, and have a bad posture all the way, so I believe that opening our horizons to tango and its rigour might be very welcome.

Mazurka isn’t suppose to be close embrace, we should start with the idea of dancing in modern position, then get closer in the dance if 1/ the partner allows it 2/ music too. Variations are fun, but simplicity and smoothness of the basic step and an agreeable connection is just a challenge in itself.

Probably that dance isn’t done with its evolutions in the future. In 20, 50 years maybe, we will have a better view on how a social practice can change a dance.Will we fusion with tango argentino, salsa or contact dancing ? Will there be a new trend ? Will we find another name for that new dance ?






Mazurtango et romantique folk

Le groupe vient d’annoncer une mazurka. La salle rentre en effervescence, les couples se cherchent. “Je danse toujours la première et la dernière mazurka de la soirée avec ma chérie”, annoncent certains. Les années passant, j’ai l’impression que les danses de couple folk, et plus particulièrement la mazurka, se transforment sous l’impulsion d’un “effet romantique”. Les mélodies se font tendres, les rythmes se font lents, les corps se rapprochent… et le tango, lentement mais sûrement commence à s’immiscer.

Les métamorphoses de la mazurka, une étude d’Eric Thézé

La mazurka est l’une des danses phares des bal folks d’aujourd’hui. L’une des 4 danses de couples principales que sont la mazurka, la scottish, la polka, et la valse. C’est également la danse qui a connu le plus d’évolutions et le plus rapidement depuis sa création, une évolution musicale, dans la manière d’être dansée et dans sa popularité.

En 2006, Eric Thézé, danseur, musicien et compositeur de nombreuses mazurkas,  faisait déjà le constat dans une étude intitulée “Les Métamorphoses de la Mazurka”. Il décrit ainsi rapidement les racines de la mazurka.

La mazurka est originaire de Pologne. […] Dans les années 1830, de nombreux Polonais, chassés et poursuivis de leur territoire à la suite du partage de leur pays entre la Prusse, l’Autriche et la Russie, émigrent vers l’Europe occidentale. Parmi ces réfugiés se trouve Frédéric Chopin qui s’établit en France et qui, par ses nombreuses compositions, ses interprétations et ses créations de mazurkas, va contribuer à donner à cette danse une grande notoriété. […] D’abord dansée dans les salons, la mazurka se répand dans les différentes régions de France, et prend des formes diverses.Eric Thézé

Les métamorphoses de la mazurka

Pratiques d’inspirations traditionnelles et transmission savante, par Eric Thézé. Ce texte a été présenté dans le cadre d’un séminaire du département de recherche sur les relations franco-britanniques, de l’université de Lancaster, et d’une rencontre autour de la mazurka, organisés en avril 2006. Les Métamorphoses de la Mazurka – Eric Thézé

Pour se faire une idée, voila de quoi on parle… Ce genre de mazurka est toujours pratiquée dans les associations de reconstitution historique, notamment Le Quadrille Français.

Mazurka 1845 - Wikipedia
Mazurka 1845 – Wikipedia

On se fait donc l’effet d’une danse très vive et codifiée, loin des rythmes langoureux qu’on entend aujourd’hui sur les parquets. Que s’est-il passé ?

Des débuts de cette danse “trop jeune” venue de la capitale qui échappe aux collecteurs, concentrés sur des danses de terroir – plus riches – on ne garde que peu de traces jusqu’aux années 1970 où une forme de mazurka issue du village de Samatan en Gascogne est repérée . Elle est enregistrée et ensuite enseignée par Pierre Corbefin, Directeur du Conservatoire Occitan à Toulouse qui va la rendre populaire. Eric Thézé indique :

Une caractéristique de cette mazurka est qu’elle n’était pas autant sautée que les autres. Plus coulée ou glissée, elle n’avait pas ce côté directement joyeux et bondissant que la mazurka pouvait avoir ailleurs.Eric Thézé

On est déjà loin de la danse victorienne de Pologne et des salons parisiens prisés par Chopin. La mazurka a déjà connu sa première évolution majeure.

Mazurka de Samatan
Mazurka piémontaise

Le nouveau « slow » du folk

Depuis 20 ans, il semble qu’une nouvelle évolution majeure soit en marche, distinguant la mazurka comme une danse phare des bal folks, la danse lente et romantique par excellence. Le Slow du folk.

Durant une vingtaine d’années, à partir de 1970, l’image de la mazurka s’est transformée grâce à l’enseignement de Pierre Corbefin et pour répondre aux demandes des danseurs. Il s’est produit alors une conjonction entre un mécanisme collectif et une initiative individuelle. Le mécanisme collectif s’est opéré avec le développement des danses de couple. Au fur et à mesure que la proportion des danses de couple dans un bal a augmenté, on a désiré des danses plus sensuelles, qui ne soient pas seulement divertissantes, et aussi des danses qui permettent d’improviser librement. […] Dans le courant des années 1980 puis 1990, certains musiciens, soit pour répondre aux demandes des danseurs, soit parce qu’ils sentaient le même besoin, se sont mis à jouer les mazurkas en prenant des tempos moins rapides, afin de favoriser une manière plus coulée, mieux adaptée à la danse transmise par Pierre Corbefin et ses élèves.Eric Thézé

Je pense que, clairement, les nouvelles générations de musiciens et de danseurs, et l’évolution de la musique (comme abordé dans L’incroyable créativité de la musique folk à danser) ont eu un effet de bord considérable sur la manière dont nous dansons. Tout comme les musiciens ont été influencés par des courants musicaux extérieurs au folk, les danseurs se sont eux inspirés d’autres manières de danser (comme tango, la danse contact, le rock, la salsa…) pour transformer à leur tour les danses.

Comme incubateurs de cette évolution, Eric Thézé évoque les parquets de festivals et leurs ambiances de fin de soirée propices aux expérimentations…

Parce que la nuit, après la disparition des sonorisations, entre trois heures et l’aube, musiciens et danseurs pratiquent en toute liberté, sans réflexion, de façon de plus en plus intuitive et intériorisée, lorsque vient le jour, ces mêmes danseurs qui prennent la parole pour expliquer les danses au cours de leurs ateliers, transmettent autre chose que des pas ou des figures. L’énergie qui les anime, capable de repousser la fatigue, donne à tous cet espoir de voir le soleil se lever. Mais dans le même temps, parce qu’ils se retrouvent en situation d’atelier, à devoir analyser et transmettre, ils font évoluer leur propre représentation et vont amener de nouvelles variantes, là où ils avaient, eux, expérimentés des variations sans mots.

La plupart de ces variantes risquent d’être pratiquées de façon très mécaniques par ceux qui auront suivi l’atelier, parce qu’elles auront été expliquées c’est à dire figées, quantifiées, jusqu’à ce qu’à leur tour ils se laissent entraîner par la longue pratique nocturne, et qu’à leur tour ils délaissent ce qu’ils ont appris pour trouver la manière simple qu’ils ont de danser comme ils sont.Eric Thézé

De plus en plus, l’idée de privilégier la qualité de la connexion au détriment des pas sautillés s’instaure parmi les danseurs . La Mazurka est une danse en 12 temps, dont les temps 3 et 9 sont marqués en suspension, traditionnellement un sautillement. La nouvelle tendance est de moins en moins marquer ce temps, considéré maintenant comme un temps de pause plutôt qu’une impulsion vers le haut. Les danseurs ont ensuite utilisé cette énergie qui était développée verticalement pour la ré-investir dans quelque chose de plus horizontal, de plus rond. Cette variation d’énergie est venue au service de l’amplitude et de la vitesse des pas tournés, créant de nouvelles variantes.

Au fur et à mesure que la danse devient de plus en plus intime, certains morceaux sont devenus célèbre dans l’univers folk.


Quand le tango fait son entrée dans nos stages de danse

Frisse Folk

En janvier 2002 Koen Dhondt commence à donner des cours de danse folk à Bruxelles. 15 Ans plus tard, Frisse Folk est devenu une référence pour la danse folk en Belgique et une école de danse folk avec une réputation solide. Koen Dhondt est le fondateur et le président de l’association. Depuis 2011, Koen peut heureusement compter sur une multilingue polyvalente en la personne d’Elena Leibbrand dans l’organisation des cours de danses, des ateliers, des bals, et leurs nombreuses interventions à l’extérieur.

[En savoir plus sur Frisse Folk]

Il existe de nombreux stages de variations pour mazurka pour permettre aux danseurs de varier leur danse, d’expérimenter et d’ouvrir leur horizon sur d’autres influences. C’est le cas de certains stages animés par  Koen Dhondt, professeur de danses folk et trad, qui donne des cours à Bruxelles depuis 15 ans sous la bannière de Frisse Folk. Il organise régulièrement des stages de Tangurka avec sa partenaire de danse, Elena Leibbrand.

En novembre dernier, Frisse Folk a organisé un bal avec Duo Absynthe, le groupe folk “romantique” par excellence, et dans le même temps animé un cours de mazurka tango. Est-ce que tu vois la mazurka comme une danse romantique ?

Je ne sais pas si on peut parler de Duo Absynthe comme un groupe romantique, mais ils jouent effectivement des mazurka lentes. C’est le cas de nombreux groupes folk / neo folk en Europe. Ca peut donner lieu à des ambiances romantiques, et ça influence aussi la danse, puisqu’on va danser et interpréter différemment en fonction du tempo.

Même s’il y a des danses qui, clairement, créent  une intimité entre deux personnes, il ne faut pas associer toutes les mazurkas au mot romantique. Ce serait restrictif, d’autant plus qu’historiquement la mazurka était tout à fait différente. Le tempo était plus rapide et le pas beaucoup plus marqué et sautillé. Certains groupes le jouent encore comme ça.

Les techniques que nous souhaitons transmettre ne sont pas dans une idée de rendre la danse romantique. C’est un ensemble de clefs pour jouer avec son partenaire. Le folk,  ça implique de pouvoir mélanger des nouvelles choses pour enrichir sa danse.

Qu’est-ce qu’il y a à apprendre du tango ?

Il y aura des notions de posture bien sur, mais ça c’est quelque chose qu’on travaille dès le début chez Frisse Folk. En tango il y a des possibilités qu’il n’y a pas dans le folk : d’autres techniques, d’autres positions et on essaie de les mélanger un peu. Ce qui m’intéresse en premier lieu, c’est de transmettre les petites techniques de tango qui peuvent être utilisées en danse de couple. En mazurka lente ça marche assez bien, mais ça peut s’appliquer à d’autres danses. J’aime bien improviser et chercher de nouvelles choses dans les danses mazurka, scottish, valse, polka.

En mazurka il y a beaucoup de pas en rotation, on va y ajouter des déplacements vers l’avant et vers l’arrière, et éventuellement des notions de dissociation du buste et des hanches.

Est-ce une manière d’amener les gens au tango ?

Ça peut être une transition douce pour certains. Le tango est une danse populaire, et il y a beaucoup de gens avec un certain niveau de mazurka qui sont à la recherche de nouvelles choses, d’une plus grande technicité. C’est pour ça que j’ai voulu proposer ce genre de stages. Le premier stage que j’ai donné, c’était avec une amie prof de tango. On a beaucoup dansé ensemble, expérimenté des pas, élaboré une transmission… Toujours dans l’idée de garder le plaisir de la danse et de l’improvisation. Transmettre des notions de tango à travers une danse que les gens connaissent, pour beaucoup c’est une première approche décomplexée.

Mêler la mazurka et du tango, est-ce que c’est encore de la mazurka ?

On les danse tellement souvent, qu’après 50 mazurka les gens ont envie de faire quelque chose d’autre de temps en temps. Il faut tester un peu les limites, parfois ça marche, parfois non. Je me permets d’aller faire des expérimentations à un point où, effectivement, on peut perdre la notion mazurka. On va travailler sur le mélange et sur le passage du pas de base à des pas de tango et inversement.

Nous ne voulons pas d’étiquette de « prof de tango mazurka ». Oui nous proposons parfois ce genre de stages, mais pas uniquement, j’ai aussi un côté très trad. Pour moi folk et trad c’est un spectre, ce n’est pas noir ou blanc, il y a beaucoup de nuances de gris entre tout ça. Ce stage c’est le truc le plus folk que je donne. Le stage de Bransle Béarnais c’est l’autre opposé et j’aime bien faire les deux.

Dansstage Tangurka: cunita & cruce met Koen Dhondt

Stage de Tangurka avec Koen & Elena, le 16 avril 2017 à Anvers. En savoir plus

Donc il n’y a pas d’opposition entre « folk » et « trad » ?

J’utilise le mot  « trad ou traditionnel» pour désigner les danses telles qu’elles se dansaient dans la société rurale. Je trouve ça très important de préserver et transmettre ce patrimoine. Et j’appelle « folk » le courant plus actuel où l’on prend des libertés par rapport à ce qui se dansait à la base. C’est un terrain sur lequel on peut amener de la créativité, de l’amusement, et où on va mélanger des choses.

Je suis aussi adepte des danses traditionnelles. J’essaie d’appliquer cette esthétique et cette rigueur des pas traditionnels aux différentes danses régionales : congo, bransle, bourrées, bourrées auvergnates… C’est-à-dire des danses d’une région spécifique qui ont plus ou moins bien été transmises jusqu’à maintenant. J’essaie de les transmettre telles qu’elles, puis aux gens qui maitrisent bien je propose parfois des variations plus folk, plus personnelles avec plus de créativité actuelle. Mais dans les danses mazurka scottish valse, danses du 19ème siècle qui ne sont pas issues d’une seule région où ce n’est pas un répertoire qu’il faut sauver, maintenir… Là j’ai une attitude beaucoup plus libre.

Danser en conscience

S’il n’est pas problématique de laisser des influences extérieures élargir nos possibilités en danse, Koen estime toutefois qu’il faut le faire en conscience. Un choix délibéré de suivre le pas de base ou de ne pas le suivre, mais encore faut il connaître ses bases.

Oui, la danse est vivante. On entend parfois l’argument « en improvisant tout est permis »… Ca ne doit pas pour autant être une excuse pour faire du n’importe quoi, parfois sans connaître l’original. Je pense que dans la société traditionnelle les danses évoluaient également, mais parce que des gens qui maîtrisaient à fond la danse y apportaient un style personnel. Aujourd’hui il y a des gens qui n’ont pas fait l’effort d’aller voir l’original, ou n’ont pas fait la rencontre de l’original  : ils ont vu la copie d’une copie. A partir de ça ils vont créer tout de suite autre chose sans avoir intégré la base. Je trouve ça dommage. Il faut connaître ce qu’il y avait avant, sinon c’est une rupture, pas une évolution.Koen Dhondt

Une évolution qui ne convient pas forcément à tout le monde

Comme beaucoup de danseurs, j’ai entendu des remarques négatives sur les gens qui s’écartent du pas de base pour aller flirter avec des influences extérieures. Tout d’abord, je souhaite préciser que tant que les personnes ne gênent pas le bon déroulement du bal, la circulation et le bien être des danseurs, chacun est libre de danser comme il le veut, même de manière totalement originale et décalée. Le mieux étant avant tout de danser en accord avec son partenaire et avec la musique. Dans l’idéal, cela voudrait dire éviter de faire de la danse contact sur une mazurka traditionnelle, mais après tout chacun est responsable de sa propre musicalité.

Un reproche récurrent fait état de l’utilisation du mot mazurka qui serait galvaudé vu l’état de transformation de la danse. La Mazurka n’étant plus de la mazurka, il faudrait trouver un autre mot… J’aurais tendance à penser qu’un mot utilisé par des milliers de personnes, musiciens et danseurs, ne peut pas être faux. Il n’y a pas une mais des mazurkaS et celles qui mixent des influences extérieures en font partie.  Au final, chacun défendra la forme de danse dont il a l’habitude. Qu’est-ce que la mazurka traditionnelle au final ? Chacun aura sa propre interprétation, est-ce la version quadrille ? La version qui sautille ? La version qui ne sautille pas ? La version qui ne sautille pas oui, mais si on fait des figures ça ne va plus ? Les figures oui, mais seulement celles qui datent d’avant les années 80 ?

Dans un premier temps j’ai cru que la mazurka de Samatan avait simplement été déformée par les danseurs du bal folk, comme beaucoup d’autres danses. […] Mais cela ne me permettait pas du tout de comprendre comment cette danse s’était, non pas « déformée », mais « métamorphosée » en diverses formes, ici et là, avec, peut-être des excès, peut-être des ratés, mais surtout des réussites merveilleuses, à voir et à sentir, à partager entre danseurs. […]Dans une transmission de type traditionnel, personne ne danse en reproduisant un schéma analysé, personne donc ne danse exactement comme les autres, pas plus que les musiciens ne jouent de la même façon les uns et les autres.Eric Thézé

Nous, danseurs, choisissons notre cadre de danse. Il semble clair que dans un cadre de danse sociale, l’ouverture vers des influences extérieures doit être accepté. Qu’on exige une certaine rigueur et un respect des traditions dans un cadre de reconstitution en est un autre.

En creusant un peu, un autre écho qui ressort parfois – et c’est le plus important – c’est l’imposition de la proximité corporelle. De base, la mazurka se danse en position de danse moderne et ouverte. Le ralentissement des pas et la musique intimiste ont tendance à provoquer un rapprochement des danseurs, ce qui ne met pas tout le monde à l’aise. On touche ici à la notion de consentement. Le sujet n’est pas limité à la mazurka mais sur une danse où les corps se rapprochent, il faut bien s’assurer qu’à aucun moment la (ou le) partenaire ne doit être mal à l’aise du fait de la proximité corporelle. (Et ça tombe bien, j’en ai parlé dans Engager son corps dans la danse)
Quand c'est un peu trop
Quand c’est un peu trop

J’entends parfois les termes de mazurka chamallow, mazurcalin, etc. Je ne sais pas si cette mode va durer, et il est probable que chaque danseur ait sa période chamallow et expérimentations, mais c’est justement là que des stages d’introduction au tango me semblent particulièrement utile. Le tango étant la danse rapprochée par excellence, le rapport au partenaire et à la posture a été étudié et codifié, permettant aux gens de danser fermé sans malaise. Le folk étant un milieu où on peut danser sans prendre de cours pendant des années et avoir une mauvaise posture, je trouve justement qu’une ouverture sur la rigueur du tango est des plus bienvenue.

La mazurka n’étant pas de base une danse trop proche, il faut partir du principe qu’on va danser « ouvert », et effectuer un rapprochement pendant la danse, si 1/ le partenaire s’y prête, 2/ la musique aussi. Il est à noter également que tout le monde n’a pas envie d’enchainer des variantes à tout va. La simplicité du pas de base en fluidité et avec une connexion agréable étant déjà un défi en soi.

Au final, cette danse n’a certainement pas fini d’évoluer. Encore 20 ans, 50 ans, et nous aurons une meilleure visibilité sur ce que la pratique en danse sociale peut provoquer comme bouleversements sur une danse. Auront-nous fusionné avec le tango argentin, la salsa et la danse contact ? Aurons-nous fait place à une nouvelle mode ? Aurons-nous inventé un nouveau terme pour désigner cette nouvelle danse ?


NEW, comédie musicale improvisée

Hier soir je suis allée voir NEW, la comédie musicale improvisée au théâtre Les Feux de la Rampe. Un excellent et hilarant moment pour une comédie musicale participative où le public, habilement guidé, décide de tout.

Le pitch
Dans NEW, on improvise Tout ! Grâce… … au public qui donne un titre, un lieu et des rebondissements à l’histoire … aux musiciens qui composent les chansons et rythment le spectacle en direct … à l’illustrateur qui projette ses images et décors sur le fond de scène … aux comédiens-chanteurs qui créent les paroles et les personnages de l’aventure et grâce au maître de cérémonie qui orchestre le tout… avec Vous !

Le thème est tombé à l’applaudimètre, ce sera : Transformation Électronique, le lieu : un club de rencontre… Le temps qu’un spectateur chantonne un air qui sera repris comme thème musical par les musiciens présents sur scène, et on enchaîne directement avec 75 minutes des tribulations d’une jeune instit à lunettes en recherche de l’amour sur les sites de rencontres. C’est très drôle, ça chante beaucoup (et juste).

Ce qui est génial, c’est la mise en difficulté des acteurs et des musiciens. Quand la clochette sonne, tout le monde se fige, le public décide de la couleur des murs dessinés par l’illustratrice, du style musical de la prochaine chanson, de la prochaine phrase de l’actrice, de l’animal totem que va devoir incarner l’acteur… Le Maître de Cérémonie en profite pour challenger son équipe avec la complicité du public.

En quoi est-ce différent d’un match d’impro ?

C’est la mise en scène qui est beaucoup plus poussée, et le combo : acteurs-chanteurs + musiciens + illustrateur + Maître du Jeu. Comme dans un spectacle, les scènes s’enchaînent avec une grande fluidité, avec un début, un milieu et une fin. L’exercice est trop parfait pour être une impro entièrement spontanée partie d’une feuille blanche. Il y a certainement une trame, un guide, une grille, qui leur permet d’enchaîner une chanson, puis deux scènes, puis une autre chanson, un retournement de situation, de deux interruptions etc. Le tout dans un temps donné, avec de la musique live.

Mais justement,  ça ne se voit pas c’est totalement transparent, et ensuite ça donne très envie de revenir pour comparer d’une pièce à l’autre.

Je trouve ça absolument passionnant cette idée qu’un metteur en scène ait élaboré une sorte de formule, un générateur de comédie musicale, où de bons musiciens, acteurs, illustrateurs, ingés sons et lumières puissent, au débotté, organiser un spectacle drôle et complet à la volée.

Engager son corps dans la danse

Quand nous parlons de danse, très vite nous avons tendance à parler relations sociales, fun, musicalité, rythmique, passes, connexion, bons et mauvais danseurs, théories sur comment guider et suivre efficacement… Et de temps en temps, quelqu’un va dire “ Danser a changé ma perception au corps. Ça a influencé ma posture et ma confiance en moi, m’a fait réfléchir à ma sensualité et à ma condition physique”.

Concentrés comme nous le sommes sur les techniques de danse pour devenir de meilleurs danseurs, avoir de meilleurs partenaires, réussir les passes les plus impressionnantes, nous oublions assez souvent que la danse est surtout une histoire de corps qui communiquent. Un langage sans mots comme on dit,  qui révèle pourtant pas mal de choses sur nous.

Mon corps, ma confiance en moi

Comme l’a exprimé la dessinatrice Lucy Bellwood dans son excellente bande dessinée – Dance Yourself Clean (en anglais) – , la danse peut révéler et nous délivrer des nombreux complexes que nous pouvons entretenir par rapport à notre corps  (et particulièrement le corps des femmes), dans un monde où danser (généralement dans un club) rime souvent avec « repousser les crétins ». A moins d’avoir été assez chanceux pour commencer la danse jeune, nombre d’entre nous ont une vision assez restrictive et pas toujours agréable de la danse avant d’en faire une passion.

Dance yourself clean
Dance yourself clean, par Lucy Bellwood

Dans le monde d’aujourd’hui, la relation que nous entretenons avec notre corps est souvent difficile. Nous entrons dans le milieu de la danse avec notre lot de complexes à propos de notre poids, notre taille, notre âge, notre look, mais aussi notre sens du rythme et notre capacité à danser qui ne nous semblent pas toujours au top.

Le milieu de la danse n’est bien sûr pas exempt de gens qui sélectionnent leurs partenaires au physique ou à l’âge et qui alimentent nos névroses… Mais dans la plupart des cas, la danse est un milieu accueillant dans lequel on finit par se débarrasser de ses complexes. Avec des partenaires et un enseignement bienveillants, c’est le meilleur endroit pour travailler son estime de soi, prendre conscience de son corps et revendiquer le parquet comme un espace de liberté où on peut être soi même.

Connaissez vous les ateliers de solo blues d'Annette Kühnle ?
Connaissez vous les ateliers de solo blues d’Annette Kühnle ? Elle saura faire ressortir le Travolta qui dors en vous. Ici en duo avec Leigh Anderson. Photo par Jean-Baptiste Lamontre

Comme le dit Lucy Bellwood dans son comic strip, « A ces sessions de danses hebdomadaires et ces festivals, j’ai vu des femmes de toutes formes et toutes tailles se déchaîner. Afficher leurs mouvements et leur sensualité comme un talent et une compétence. Être respectées pour leur présence plutôt que pour leur potentiel de séduction.”

J’aime l’idée que les gens utilisent le potentiel de leur corps pour la danse, et ne sont pas nécessairement là pour draguer, mais bien pour être eux même dans la danse et se perdre dans la musique. C’est un espace où il est possible de flirter, de partager une intimité et une proximité physique avec une personne, juste pour le temps d’une danse, dans une atmosphère bienveillante. Ou quand la musique commence à groover, avoir la possibilité de juste se lancer dans l’arène et bouger de tout son corps et de toute son âme.

**Shake what your mama gave’ya !**
Curtis and Elizabeth Performance, All Around the World by John Boutte. bluesSHOUT! 2014 bluesSHOUT

Notre corps est un outil au service de la danse

Cette confiance en soi que nous développons, cette corporalité, nous pouvons l’utiliser comme un outil, une technique au service de la danse. Une fois qu’on prend conscience de son propre corps, on peut l’utiliser à son plein potentiel.

Tango dancer Maria Filali – The Body (in french, please turn the subtitles on)

Dans l’idée de nous améliorer comme danseur, il y a un travail introspectif à réaliser, une auto-analyse à faire sur notre corps.

  • Comment est ma posture ?
  • Est-ce que je contracte mon dos, mes bras, mes abdominaux ? Quand et comment ?
  • Est-ce que je fais un pas, ou est-ce que j’utilise mes articulations, mes orteils, mes chevilles pour prendre appui sur le sol ?
  • Est-ce que j’utilise mon haut du corps pour communiquer avec mon partenaire ?
  • Est-ce que mes hanches sont libres ou juste un bloc avec mon haut du corps ?
  • Est-ce que mes épaules sont relâchées ?
  • Est-ce que je respire normalement quand je danse ?
De la où je viens, de par la danse mais aussi en tant que personne, pour moi ça [la danse] va des cheveux aux pieds.Maria Filali
C’est ça qui m’intéresse dans cette danse : des paliers où tu assures des nouvelles sensations qui te procurent beaucoup d’efficacité, de confort, de relation, de saveurs…Maria Filali

Il existe un grand nombre d’atelier et de cours à ce sujet, notamment dans les festivals. Si vous n’en avez jamais fait, je vous les recommande grandement tous autant qu’ils sont. Connaître les mécanismes de notre propre corps nous aide forcément à nous améliorer en tant que danseur.

Être en contact avec un autre corps

En danse de couple, nous utilisons notre corps, notre présence et notre énergie, pour construire un dialogue à deux sans échanger un seul mot avec notre partenaire. Comme il est bien normal d’avoir un peu de respect et d’attention pour notre propre corps, et que personne ne veut finir chez le kiné un lendemain de bal, notre premier soucis devrait être de faire attention à notre corps et à celui de notre partenaire.
Leader, attention à mon dos steuplé

Il existe encore ce bon vieux stéréotype parmi les danseurs « le leader décide et le follower obéit ». Petit paradoxe : les meilleures danses sont celles où les deux partenaires sont entièrement engagés dans un processus d’écoute de l’autre, chacun proposant des variations.

Pour faire ceci proprement, votre posture et votre cadre de danse doivent être impeccables, clair et aussi confortable que possible. Les danseurs de tango ont un nom pour désigner la connexion, Abrazo, qui signifie étreinte en espagnol.


De nombreux danseurs vous le diront : un bon abrazo est la chose la plus importante en danse. Pas le nombre de passes que vous connaissez, ou si vous savez faire des tombés et des portés. La connexion est la clef. Certains danseurs sont tellement confortables qu’à peine dans leurs bras, avant que la musique débute vous êtes déjà “whoa !”. Avec un bon abrazo, la personne qui guide pourrait se cantonner au pas de base encore et encore que le follower n’y verrait aucune objection. Parce qu’il se passe tellement de chose à l’intérieur du couple, qu’il n’y a besoin de rien d’autre.

“Quand tu guides, ton cadre doit être solide afin que ton follower puisse te comprendre”, c’est l’un des principes qu’on apprend aujourd’hui aux débutants. Pourtant, si un cadre trop faible est tout simplement ennuyeux, un cadre trop fort peut facilement faire mal au partenaire (pour preuve, le gars qui m’a froissé les muscles de la cage thoracique pendant 10 jours, merci mec). En réalité, votre cadre doit être juste assez ferme pour être parfaitement compréhensible, mais également flexible. J’ai toujours eu en tête l’idée d’un danseur ninja, souple, silencieux, précis.

Dans le couple de danse, il y a également un travail introspectif à faire :

  • Comment est ma posture dans le couple ?
  • Est-ce que j’accorde de l’écoute à mon partenaire en même temps que je guide ? (sans oublier le reste de la salle)
  • Est-ce que je suis stable ou est-ce que j’envoie des indications perturbatrices (beaucoup de danseurs bougent les épaules et les mains sans s’en rendre compte et ce qui perturbe leur guidage)
  • Est-ce que je garde mon équilibre propre quand je bouge ou quand je tourne
Good and bad postures - The biggest mistakes dancers make, by Delta Dance
Est-ce que vous avez une bonne posture ?
Le meilleur moyen de le savoir reste encore de demander à votre prof ou vos partenaires de danse pendant un cours.

Comment avoir une bonne posture en tango (anglais) | Argentine Tango, by HowCast

Et parce que je sais bien que, comme moi, vous adorez les vidéos sur YouTube, voici quelques exemples de belles connexions.

Sarah & Matheus  – Forró

Paulo & Sara – Bal folk mazurka

Dans ces deux exemples, vous pouvez voir de nombreuses bonnes choses :

  • Leaders et followers se tiennent droits, même quand leurs partenaires sont plus petits
  • Chaque danseur est responsable de son propre axe
  • Les épaules sont basses et détendues et la ligne de connexion (épaules, bras) entre leader et follower est parfaitement flexible
  • Les danseurs ne marchent pas lourdement, ils se déplacent souplement sur le sol
  • Les hanches et les jambes des danseurs sont libres de mouvement, leur permettant de bouger et de rajouter du rebond ou des variations quand ils le souhaitent
  • Ils n’imposent pas de mouvement au corps de l’autre
  • Ils font super attention à leur partenaire quand ils entrent ou sortent de la position fermée

Être en contact avec quelqu’un n’est pas anodin

Parfois nous pouvons nous sentir mal à l’aise pour plusieurs raisons : le partenaire danse trop près de nous, il nous serre de trop près, ou trop fort.  Il est très important de dire aux danseurs quand ils vous font mal. La plupart du temps, ils ne s’en rendent même pas compte, ils ne le savent pas. Et si vous ne dites rien vous leur laisser la possibilité de faire mal à d’autres personnes, même avec les meilleures intentions. Même chose si vous avez déjà mal au dos par exemple, ou si vous n’êtes pas à l’aise avec les portés, les tombés ou danser fermé…, c’est VOTRE corps et vous devez dire non à tout ce qui vous met mal à l’aise.

Il est fréquent d’entendre des danseurs dire “Je n’aime pas danser avec des débutants/inconnus, parce qu’ils me font mal. Ils ne se tiennent pas correctement et je dois compenser, pousser, tirer… Ils/Elles s’agrippent à mon épaule et après une danse ou deux, j’ai mal”

Pour plus d’informations, je vous renvoie vers cet article très pertinent de The Dancing Grapevine (en anglais), qui liste les nombreuses situations inconfortables auquel votre vie de danseur peut vous confronter, et quels sont les codes corporels que vous pouvez utiliser pour faire comprendre à votre partenaire que là ça ne va pas. Et bien entendu, si ça ne suffit pas, il faudra verbaliser votre inconfort à la personne. Et si ça ne fonctionne toujours pas, il faut en faire part aux organisateurs du bal qui – en tant que personnes neutres – peuvent vous aider à analyser ce qui ne va pas.

Soyez attentif à vos limites

Plus je danse, plus je ressens le besoin de protéger mon corps, notamment mon dos et mes chevilles. Qui n’est pas fatigué après une nuit de danse ? Est-ce que vos pieds vous font souffrir ? Le dos ? Les jambes ? Les épaules peut-être ? Avec la danse, notre corps deviens plus solide, la musculature des jambes et du dos se développent mais nous pouvons également devenir sujets à des blessures comme les tendinites, les fractures de fatigue et de multiples problèmes au dos et aux genoux.

Nous devons donc savoir nous préparer et limiter les dommages potentiels, en apprenant à nous échauffer, à nous étirer et à récupérer. Une blessure peut signifier un arrêt de la danse pendant plusieurs mois, du coup pour prévenir ce genre de désagrément, autant se préparer, se munir de bonnes chaussures et apprendre à nous protéger un peu.

Il est maintenant courant de s’échauffer légèrement quand nous faisons des ateliers. J’entends par là un éveil corporel, et non un véritable échauffement dont le bénéfice pour le corps n’est pas toujours établit. Nous avons pris cette habitude lors des cours et des ateliers, mais étrangement peu de danseurs s’échauffent avant une soirée, même si la danse sociale est aussi intense que les sessions de travail. Il est possible de se sentir un peu « observé » quand on s’échauffe avant un bal, mais votre dos vous dira merci le lendemain.

Quels genres d’exercices et combien de temps ?

Pas besoin d’un échauffement d’une heure avec footing ! Bien sûr ça dépend de la physiologie de chacun. Éveiller votre corps nous aide à nous détendre et à nous débarrasser du stress de la journée, et nous préparer à l’exercice physique. Généralement je m’échauffe en commençant par la tête jusqu’aux pieds, un exercice par partie du corps.

Exemple d’éveil musculaire

  1. Faire rouler sa tête d’une épaule à l’autre (doucement !)
  2. Faire rouler ses épaules, dans un sens puis dans l’autre
  3. Tourner le haut du corps d’un coté à l’autre
  4. Faire des 8 avec ses hanches
  5. Plier les genoux
  6. Faire jouer ses chevilles
  7. Se mettre sur la pointe des pieds
Exemple d’étirements

  1. Etirer les pieds
  2. Etirer les mollets
  3. Se pencher en avant pour étirer le dos et la colonne vertébrale
  4. Etirer les épaules
  5. Bailler

Il existe de nombreux articles et vidéos qui vous donneront des tas d’idées sur comment s’échauffer et s’étirer. Voici par exemple comment étirer ses pieds après la danse, ou comment avoir un repos constructif (en anglais).

Danser est un moyen incroyable pour reprendre le contrôle de son propre corps et enfin l’habiter. Danser a un effet psychologique et physique sur nous, et c’est l’une des raisons pour laquelle nous aimons tant danser. Nous pouvons travailler là dessus, nous mettre des défis, progresser, évoluer, mais nous devons également avoir conscience de nos limites et le protéger. Pour pouvoir continuer le plus longtemps possible…





Engage your body into the dance

When we talk about dancing, we come up with various subjects like social relations, fun, musicality, pulse, variations, spins, good or bad dancers, connection, leading, following… And from time to time, there is a person saying “dancing changed my way of holding myself and my confidence, made me think about my sensuality, improved my body and my health condition”.

Focused as we are to become better dancers, look for the best partners, or master the best looking variations, we usually forget that dancing is first a matter of bodies that communicate. A language without words, say some, that reveals some powerful things about ourselves.

My body, my confidence

As represented in the powerful comic strip – Dance Yourself Clean, by Lucy Bellwood – , dance can expose some serious issues we have with our own body (and especially women’s body), in a world where we have to somehow hide ourselves, where dancing (in a club) often rimes with « push away jerks ». Unless you were lucky enough to start social dancing very young, many of us had quite a negatique vision about dancing for years before discovering our passion.

Dance yourself clean
Dance yourself clean, by Lucy Bellwood

Our relation with our body is very difficult in today’s world. We enter the dancing universe with a lot of complexes about our weight, our size, our age, our looks, our rhythm and our ability to dance…

Of course the dancing scene is not exempt of people who select partner on looks, or age… But in most cases, it is a perfect place to get rid of our complexes. With the proper partners and teachers, it is a excellent way to express and assert yourself, and claim your body and the dance floor as your own.

Connaissez vous les ateliers de solo blues d'Annette Kühnle ?
Connaissez vous les ateliers de solo blues d’Annette Kühnle ? Elle saura faire ressortir le Travolta qui dors en vous. Ici en duo avec Leigh Anderson. Photo par Jean-Baptiste Lamontre
Have you ever been to Annette Kühnle’s solo blues workshops ? She will pull the « attitude » out of you. Here teaching together with Leigh Anderson (right behind her)

Like Lucy Bellwood says in her comic, « At these weekly dances and national exchanges I started to see women of all shapes and sizes throwing down. Flaunting their movement and their sexuality as a measure of skill. Being respected for their presence rather than their potential for conquest.”

I like the idea that people using the potential of their body to dance are not necessarily there to flirt, but just being themselves and let themselves go on the music. That it is possible to flirt and share an intimacy just for the time of a dance, in a benevolent atmosphere. Or when the music starts to groove, to just step up and dance with your whole beautiful body and soul.

**Shake what your mama gave’ya !**
Curtis and Elizabeth Performance, All Around the World by John Boutte. bluesSHOUT! 2014 bluesSHOUT

Your body is a tool for dancing

That confident body we have when we dance, we can use it as a fantastic tool for dancing. Once you decide to really work with it and use its full potential.

Tango dancer Maria Filali – The Body (in french, please turn the subtitles on)

On a path to become better dancers, there is introspective work we can do on ourselves about our body.

  • How is my posture ?
  • How are my back, my arms, my abs ? What do I contract and when ?
  • Do I just step or do I use my joints, my toes, my ankles to roll my foot and push on the floor ?
  • Do I use my upper body to communicate with my partner ?
  • Are my hips free ?
  • Are my shoulders relaxed ?
  • Do I breath normally ?
My dance and personal background mean that I believe the dialogue goes from the hair to the tip of the toesMaria Filali
There seems to be thresholds where you gain new sensations which give you greater efficiency, comfort, connection, and a certain colour.Maria Filali

You’ll find a lot of workshops about these subjects in festivals, and I greatly recommend each one of them, because working on the mechanism of your own body will definitely make evolve your opinion of yourself and your dancing.

In contact with another body

In couple dancing you will use your body, energy and confidence, to build a dialogue without words with your partner. As we care about our body and we don’t want to end up at physiotherapy after each ball, our first concern should be to take care of our and our partner’s body.
Please leader, be careful with my spine !

There is still a strong stereotype amongst dancers of  « the leader deciding and the  passive follower executing ». Paradox is : the best dances are shared with both partners fully engaged in the process, listening to each other’s body and proposing variations together.

To do this properly, your posture and your frame has to be flawless and as comfortable as possible. People from tango have a word for it Abrazo, which mean Embrace in spanish.


A lot of dancers will tell you that a good abrazo is the most important thing you need in dancing. Not the number of variations you can do, nor dips or aerials.  Connection is the key. Some dancers are so comfortable that you’re already “whoa” before the music starts. With a good abrazo, a leader can just make the basic steps again and again and again and we – followers – won’t mind. Because everything and a LOT happens inside the couple.

“If you lead, your frame has to be strong so the follower can understand you”, that’s one of the commonplaces beginners have in mind. To have a weak frame is not great, but if your frame is too strong, you can easily hurt your partner (like the guy who hurted my ribs for 10 days , thank you dude). In reality your frame has to be firm enough BUT flexible. I always have the picture of a dancing ninja in mind.

As we express ourselves without words, we have (there as well) an introspective work to do :

  • How is my posture in the couple,
  • Am I wholly dedicated to the transmission/reception of information between us (and don’t forget the room)
  • Do i send extra indications with my body, like shaking arms and legs that can perturbate the dialogue ?
  • Can I keep my axe when I move or when I do spins ?
Good and bad postures - The biggest mistakes dancers make, by Delta Dance
Do you have the good posture, not to hurt yourself ?
The best way to know this is to ask your teachers and your partners in class.

How to Have Correct Tango Posture | Argentine Tango, by HowCast

And because you and I love to watch videos on YouTube, here are more examples of beautiful connections.

Sarah & Matheus  – Forró

Paulo & Sara – Bal folk mazurka

In these examples you can see several good things :

  • Leader and followers hold themselves straight, even if the partners are not the same height
  • Each dancer is responsible for his own axis
  • Shoulders are down and the line of connection between the leader and the follower is perfectly flexible
  • Dancers are not stepping but shifting smoothly on the floor
  • Hips and legs of dancers are free of movement, allowing them to add more bounce or variations when then want to
  • They pay extra attention to their partner’s comfort when entering and leaving the embrace position

Being in contact with someone is not harmless

Sometimes we might feel uneasy for some reasons : the partner is too close, he grips you too tight… it is very important to tell people if they hurt you. Maybe s/he just doesn’t know about it and if you don’t say anything s/he will continue to hurt other partners, even with good intentions. Same thing if your back already hurt, you are not comfortable with dips or dancing in close embrace…, it’s YOUR body so you should say no to anything you don’t want.

I sometimes hear dancers say “I don’t like to dance with beginners/strangers because they hurt my body, they don’t hold themselves well and I have to compensate, to pull, to push… They grip on my shoulder and after a dance or two I feel physical pain”

For more informations I will refer you to that brilliant article that will list you many situations and how to indicate with your body that you are unwell. If it doesn’t work, just tell the person. If it still doesn’t work, tell organisers.

Beware of your physical limits

The more I dance, the more important it is to take care of my body. Who isn’t tired after a night of dancing ? Does your feet hurt ? Back ? Legs ? Shoulders maybe ? By dancing your body will become stronger but also more sensible to injuries like tendonitis, stress fracture,  back and knees problems…

So we need to prepare and to limit potential damages, by learning how to warm up, stretch and rest, to recover from such contacts. An injury can mean months without dancing, with preparation, good shoes and good rest, we are able to protect ourselves a bit.

It is now current to lightly warm up and stretch in workshop and classes but surprisingly I see very few people do it in social dancing even if dancing is as demanding. Sometimes you will feel stared at when you stretch, but your back will say thank you the next morning.

What kind of exercises and how long should it take ?

Not many, not long, depend of your body of course. Wake your body up will help you relax and release the tensions after a long day of work, and prepare for the activity to come. I usually go from the head to the feet, gently, one exercise per part of the body.

Example for warm up

  1. Roll your head (slowly!)
  2. Make your shoulders roll
  3. Turn your upper body from one side to the other,
  4. Make 8 with your hips
  5. Bend your knees
  6. Shake your ankles
  7. Up on downs with the point of your feet
Example for stretching

  1. Stretching your feet
  2. Stretching your calf
  3. Bend down to stretch your spin
  4. Stretch your shoulders
  5. Yawn

For stretching I use basically the same order but with other exercises.

I found some really nice articles about how to stretch your feet after dancing or how to have a constructive rest.

Dancing is an amazing way to be a master of your own body, to reconnect with yourself. It has physical and psychological effect on us, and that’s partly why we it feels so good to dance. You can work on it, challenge it, but the more important thing is to protect it.







Why I want to try every dance

If you want to start something else but you don’t know what, prepare yourself, I have A LOT of ideas. I started to dance 9 years ago and I couldn’t stop. I tried a lot of different dances, as a follower and as a leader, and even now when I social dance 5 times a week, I am still curious to discover new dances. Every dance has its own singularity, and qualities you can work on, that will help to develop yourself as a person and boost your other dances.


I know everyone has a different path related to dance, about what brings you here, what you are looking for, goals you wish to achieve. I often meet people with a bal folk+contact+tango background. Or Lindy Hop+Charleston+Blues Dancing people. Others are Salsa+Kizomba+Forró… The combinations are endless.

Your motivation can change with time and experience, and I find it useful to make an introspective work on myself. So, from time to time, I try to define :

  • what brings me there, what motivates me,
  • what is my level in different dances as a leader and a follower,
  • what do I want to improve,
  • if there is space for another dance to master new skills.

For me, as a start as I was new in town, I was longing for social meeting, to make friends, to have fun.

Medieval beginnings

Ten years ago, because of my strange but awesome hobbies, I discovered Medieval and historic dancing. I made a lot of friends, had a lot of fun, and it taught me some interesting things like having rhythm, being part of a group and connect with other people.

And I love to wear amazing dresses !

Bal folk, social discovery

These medieval parties were always finishing with someone putting bal folk tunes on mp3, and that’s how I discovered Bal Folk. An amazing community, with many different dances, live music, quite easy to learn on the spot and a very welcoming atmosphere. Amongst other dances, that’s how I discovered couple dancing. It completely changed my life.

I should say that Bal Folk in itself is a never ending source of dances and techniques to learn, with all the traditional dances of every country, I still need to learn A LOT, like Tarantella and Italian dances, beautiful Swedish dances, Polish dances, funny Portuguese dances !!!! I’ll never be done with it !

Forró, the joyful life

After discovering couple dancing, some friends of bal folk told me about another traditional dancing from the north of Brazil, very close from the Scottish of Bal Folk, and that’s how I discovered forró . With its roots from European traditional dances, forró is a very easy joyful funny dance, not as “sexy” as salsa but still with a little perfume of sun and holidays. It taught me how to keep bouncing and give energy in close embrace.

Tango, the challenge of close embrace

With my always growing sense of connection, I wanted to learn some Tango, which is the ultimate art of dance, class, and seduction as we all know. The dance is incredibly demanding and asks for a lot of work that will never end. I learned the amazing power of connection and the will to control of my own body to a very accurate level. I learned the power of slow dancing in an intimate connection and flourish your dance as a follower. I also learned that not all the dancing communities are not welcoming. Tango has a huge community and depending on the milonga (bal) people may be as proud and demanding as the dance is in itself. But I see this as a personal challenge and the gain is – from my perspective – totally worth it.

Warning : this is an unbelievable demo. Not even close from social dancing.

Blues dancing, freedom of the body

As YouTube videos inspired me for a long time, I was looking for tango videos when I fell on a few videos entitled “tango blues dancing” or “blango”, “swango”, whatever… Shock of my life ! For sure it was inspired by tango, but so groovy, so free and full of fun ! That’s how I discovered Blues Dancing and I started right away. I learned a lot about solo dancing, self confidence and the sense of interpreting the music with your whole body when you dance. Contrary to tango, I discovered a very small community where everybody knows each other, are specialised in organising parties at home and never let anyone sitting aside.

Big shock. This is blues dancing mixed with tango, and my jaws just dropped.

This is blues dancing without the tango influence

For now I am there with these dances, #MedievalFolkForroTangoBlues. I am leading and following, which is really a lot of work. I means a lot time, parties, (,money)… I have work and things to explore, discover and improve probably for the rest of my life. And still it seems to increase my curiosity about other dances. I made a list of dances I am interested in if I wasn’t limited by time and money.

Never stop learning other dances

I am sure of one thing : each of these dances has particularities worth exploring. And as time pass I find every new dance easier to learn as I feel every new thing I learn helps me improve myself in every other dance.

Lindy Hop

That dance will probably kill me, but come on they look fantastic !

Of course with blues dancing I couldn’t help noticing that jumping joyful and impressive dance. Lindy Hop and Balboa would be perfect to work on energy and cardio.

Jazz Roots and Charleston

Ksenia Parkhatskaya, goddess of swing dancing

Working on movements in blues makes me want to master the sexiness of Charleston and Jazz Roots (vintage solo dancing yay), obviously rich in tonus and control of the body. And did I mention how beautiful they are ?

Salsa, and other latin dances

Let’s be honest, I have prejudices about Salsa. But it’s certainly more fun than the show of sexy butts I imagine

As tango, Salsa is being danced in all the big cities of the world, which makes it very interesting. I also like the sound of Bachata music, the dance looks quite fun and easy. And did ever you have a look on Mambo social dancing ? Looks amazing !

Rock’n Roll : 4 or 6 ?

Rock 4 temps, looks fun

As Rock’n Roll is being danced at almost every wedding (in France at least), I would love to learn the basics, allowing me to dance with my dad.

In the same area, you have Modern Jive , East Coast Swing or Ceroc that looks nice even if it’s not very common in Europe. I’ve already tried West Coast Swing which seems a very interesting dance, leading with the hands, helps you having attitude and self confidence.

Modern Jive

That would feel my need of show off :p

West Coast Swing

I’m not quite sure about the music, but come on, it looks funny !

I find very interesting and beautiful to see how hip hop and contemporary dancers can master their body moves. They have a way to create and easily remember choreography I find completely amazing.

Hip Hop

They have so much control on their body, how amazing is that ?!


Suppleness and body control, wow

Oriental Dances

Group dancing and improvising choreography using body codes, I find greatly fascinating. That’s what ATS (American Tribal Style) is doing and the result is beautiful. But it uses a lot of Oriental Dances’ moves, so I guess you have to learn them both.


I heard a lot of good things about ballroom. It seems they have a strong scene in countries like The Netherlands and Germany, and they have a lot of interesting dances you can work on. They also have a strong competitive scene, which is not really my style, but still interesting.


We, french people, have a nearly forgotten background of musette in our history. Well, good news ! It’s back with neo musette ! Some places in Paris organise musette bals with funny bands.

Find my limits, push the boundaries, get rid of stereotypes (or not)

My interest for dancing turn around 3 main principles : master body technique / body empowerment, quality of connection with your partner, and good music.

Some dances are too much for me, beyond my personal limits, but it doesn’t mean I don’t find them interesting. For example, as I am always in control when I dance, the “let it go” philosophy and introspective dances are not my type and I don’t think I will ever direct myself towards Contact dancing, Biodanza or Danse des 5 rythmes.

Danse des 5 rythmes

I am admiring people capable of confronting themselves in a dance. 


Inspired by tai chi, nonverbal expression…

Another limit is the « obligatory sexiness ». I don’t feel comfortable with dances that demands more sexiness than technique, an unbalanced attitude between the leader (male) and follower (female). I am very  fussy about the regard for the female body, so even if I respect the choice of the people dancing it, I feel it’s not for me. That’s why I don’t feel attracted by lambazouk or kizomba, but as I might be blinded by prejudices, I think I will try some workshops to be sure about it 😉

Zouk and Lambazouk

Some interesting technique to learn there, but I am not comfortable with the sexiness and the hair-thing…


Hmmmm body waves. – not really my style… What should I dooo ?

I feel these dances don’t match with what I personnaly expect from dancing. But sometimes, I find some videos like that one, mixing zouk and a bit of contemporary / capoeira that makes me doubt of my certainty…

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6 indices à collecter, un lieu mythique à indiquer.

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