Which feminists fights in social dancing ?

For last year’s women’s rights day, I wrote an article about 6 things I can do daily to defend women’s rights while dancing (french), by making the dancefloor a more respectful and inclusive place for all.

This year, I’d like to present a list of initiatives, videos, books, article of inspiring people, who’s daily actions are helping to build better and more inclusive dance scenes (bal folk, swing, tango, latin dances…) and made me think about what it means to be a female ambidancer.

Further than just links and articles, I wished to organise my thoughts about the different causes in our dance communities and, if there is a feminist dance, what does it mean exactly ?

It appeared to me that to be a better person, dancer, teacher or organiser, it is necessary to reflect about our role in our tiny “under societies “ which react to the same problematics as the “normal” world but with extra dynamics  (physical contacts, artistic creation, regular incoming. ..)

By reading social medias, blogs and articles about different social dances, I found that we are all concerned about 3 main themes, sometimes crossing and melting in each other :

  • patriarchy, rape culture, sexist behaviours and gender roles assignations
  • Self-acceptance, body empowerment, respect for our partner’s body
  • Cultural and historical background of the social dance, cultural appropriation

Self acceptance and body empowerment

Body empowerment and self acceptance are two fundamentals principles of dancing. To respect our body and the other person’s body. A body it is sometimes difficult to empower, full of complexes.

Dance communities are usually the reflection of the outside world, full of prejudices : better be young, thin and white. Dance communities are a place where we meet people, and might even be seen a place of romantical encounters for some, especially for latin dances where the sexy dances and outfits can reinforce the idea of some people going there to seduce, even if they just want to be at ease

To be young, handsome, thin and sexy isn’t for everyone, and it’s a fight for everyone to take to include every types of human being into our communities.

I’ll let you listen to the inspiring TedX of the dancer and choreographer Amrita Hepi, who encourages people to be confident and comfortable in their body, no matter their gender, origin, age or corpulence.

It is also important to acknowledge that some people are discriminated because of their appearance, age or simply by not fitting the aesthetic of the dance (high heels in tango, swing clothes…). Grossophobia or old women’s invisibility is also an issue, not much talked about, but come up more and more often in the talks about invitation which exist in every dance community.

After all, everybody deserves to dance and to be invited. Because, why do we start dancing ? It is a conquest of ourselves, for our own body, the ability to move and to breath… And it’s beautifully said in the following video of the Ontario Arts Council, showing all types of passionate people.

Social construction and patriarchy

One of the most common subjects is the fight against patriarchy, involving movement #metoo, fighting against rape culture, and my favorite subject : gender roles.

Gender roles are an historic assumption meaning that in dance, a man should lead (firmly and manly) and a woman should follow (gracefully). That assumption is still strong these days in every dance scene, but more and more replaced by « what if I wanted to lead or follow when I want and it is normal ? »

this amazing vidéo « Dance Docs : Identidad » by Dance On promotes bachata free from gender roles and inclusion LGBT+ people in latin dance scenes

Of course, the idea is not that men have to know how to follow or women to lead, but a lot of thinking is in progress to know if :

  • Mastering both roles makes us better or confuse us
  • Learning both roles at the same time is an obstacle or an advantage in our development as dancers
  • Learning both roles from the start is inclusive or scary

As I see it, the first step to get rid of gender roles, is simply by opening people’s mind to the possibility of choosing. The delightful chronicle by Tanya Karen of The Social Dance Community is the perfect example, when she describes her experiment of asking every men to lead or follow in bachata. The answers she got shows there is still some work to do, but that you can make people evolve just with gentleness and a bit of humor .

When we speak about feminism, in dance or not, we are quickly referring to the #metoo movement that you can find in every dance scene. No, dance scenes are not a microcosm of ocytocine where everyone hugs, nice and harmless.

A lot of organisers are working on their scenes to make them safer, mostly by creating safer spaces and simply by creating codes of conducts.

It helps dealing with the rape culture, but these codes of conducts are also a great way to recall rules of politeness and basic hygiene which are a bit forgotten sometimes…

The tango blog les Pas Parfaits published very cute illustrations of their code of conducts, as a game « find the error ».

Illustration – les Pas Parfaits

Culture of the dance

What is the link between feminism and dance culture ? I personally think that we can’t consider our place as women or men in the dance, without thinking about our legitimacy as a person.

Can we be respectful of other dancers when we don’t know from where comes the dance we are practicing ? What meaning or belief are associated with it?

The story between women and dance is ancient.

The construction of femininity in dance (XVe-XVIIIe siècle) is the catalog of an exhibition organized by the French National Center of Dance. This book traces the perception of women in dance, from the end of the Middle Ages to the French Revolution..

It is, of course, full of morality, religion, social position, symbols, myths, group dances, and women’s bodies.

That story of social dance has shaped us, and when I look at the dance conference « Women: Dancing Body » animated by Béatrice Massin and Marina Nordera, scientific director of the exhibition « The construction of femininity in dance », I do not can not help but think that we come from far, but our trip is not over yet.

The history of social dance has several dynamics that influence us today in our practices as dancers:

  • social construct : invitation modes (like cabeceo in tango for instance), gender roles…
  • racial dynamics and gentrification of the dance

Regarding social construction, communities are evolving and working a lot on what to keep or change (pro or against cabeceo – I have my opinion on that…). Regarding racial dynamics, gentrification of dance or cultural appropriation, these are problems that are much more complex and delicate to deal with.

Moreover, when Amrita Hepi (see above) talks about the relation between women and their bodies and their access to dance, she also talks about her native origins Bundjulung (AUS) and Ngapuhi (NZ). It’s not just a woman dancing. She is an native australian woman, and it changes the way her people see her, and the way we all see her.

If I do the same dance as hers, I would not be carrying the same meaning, my relation to my body will not be the same, and the perception that people will have on me will be different as hers. I am French, and like many people in Europe I didn’t dance between 10 and 25yo. My physical coordination, my way of interpreting the dance, my social references and expectations are shaping me and I will never dance swing like an African-American person, the forrò like a Brazilian, nor the tango like an argentine dancer.

As the blues, swing, folk, and tango dancer Gregory Dyke rightly said in his podcast Walk to Work – episode 25 « Respect and meaningfulness » (en anglais) « Cultural practices like dance or music do not exist as their own entities, but exist because they are practiced within a culture, and more precisely because they are practiced within a community.« 

As individuals, dance teachers or organizers, we have different levels of responsibility towards the original culture of the dances we practice.

As a dancer, our role is quite limited. We can dance lindy hop without worrying about its Afro-American roots, the birth of this dance during the segregation. Even if the African-American teacher who gives you the course is directly heir from that culture, unlike your suburban teacher who discovered the dance 5 years ago

You can also dance the Argentine tango in a beautiful evening dress with 200$’s shoes, and forget that the dance was born in the suburbs of Buenos Aires and that it is originally a popular dance.

What we can do, on the other hand, is to make efforts to ensure that legitimate people do not feel excluded from their own dance, to listen to and understand the complex dynamics which, unfortunately, can push black dancers to exclude themselves from some swing evenings. We have to try and understand in order to avoid what happened in other domains like yoga where white women’s representation is erasing Indian women.

As dance teachers, we have the responsibility of sharing the social and cultural bases related to our dance, and to guarantee a certain authenticity. Finally, we must also be honest about our role and our limits. That is, we need to be clear with the students, that our knowledge has limits, that other people are more relevant than us, and encourage them to find more accurate sources and more legitimate teachers when they can. In short, encourage people to go deeply into their dance.

As organizers, many associations strive to offer events as close as possible to the original atmosphere and ensure that the most legitimate people feel welcome. There are many initiatives of all kinds, for example in the swing scene, by hiring African-American teachers or bands, by providing brochures and posters about the origins of swing, by organising debates or conferences.

There are no definite answers to these questions, but there are people who think about it and try to make a difference, and I’d like to thank all these dancers, professional or not, who are invested in their dance communities. They ask question, seek solutions, make things happening by writing books, articles, creating videos, movies … They are dancers like you and me who, beyond the dance, put their creativity at the service of the community and its evolutions.

And thanks to my daily inspirations : Tanya Karen from the SocialDance Community for her inspiring stories, Laura Riva from The Dancing Grapevine, Gregory Dyke and his weekly complicated and very interesting thoughts, Yehoody.com for their interesting articles about lindy hop, the facebook group Safety Dance: Building Safer and Empowered Social Dance Communities, and my last discovery the page Break the dance roles

Quelles causes féministes pour la danse sociale ?

Inspirations

L’an dernier, à l’occasion de la Journée du droit des femmes 2018, j’avais fait un article contenant 6 propositions à s’auto-appliquer pour rendre les espaces de danse plus inclusifs et plus respectueux des femmes (et des hommes par la même occasion).

Cette année, je voudrais vous présenter des initiatives, des vidéos, des livres ou des articles, qui m’ont beaucoup apporté ces dernières années, et fait réfléchir sur les combats féministes / égalitaristes qui se déroulent dans nos milieux de danse sociale (bal folk, swing, tango, latines…).

Au delà de ces liens divers et variés, j’ai souhaité m’interroger sur les différentes causes qui agitent nos communautés de danse, et s’il existe un féminisme de la danse, qu’est ce qu’il regroupe exactement ?

Il me semble que pour être une meilleure personne, un.e meilleur.e danseu.r.se, un.e meilleur.e prof et un.e meilleur.e organisa.teur.trice de bals, il est nécessaire de s’interroger sur notre place dans la société de la danse, qui est une construction sociale à part entière, un microcosme qui réagit aux mêmes problématiques que le monde “normal” mais avec des dynamiques particulières (contacts physiques, création artistique, arrivée permanentes de nouvelles personnes…).

Il m’est apparu, en discutant dans les différentes sphères de danse et sur les réseaux sociaux, que les discussions sociétales sur la danse portent sur plusieurs grandes thématiques qui s’entrecroisent et parfois se confondent :

  • le patriarcat et la culture du viol, les comportements sexistes et les assignations de rôles en fonction du genre
  • l’acceptation de soi, l’empowerment, le rapport au corps (particulièrement important quelle que soit la danse)
  • le rapport culturel et historique à la danse, l’inclusion de tous les publics et l’appropriation culturelle
CombatsFeministes

Rapport au corps et acceptation

Le rapport au corps est quelque chose de fondamental dans la danse, seul en couple ou en groupe. Le sien et le corps de l’autre. Un corps qu’il est parfois difficile d’assumer, plein de complexes. D’autant que la danse sociale souffre parfois des mêmes travers que le monde moderne : il doit être jeune, mince, beau (et bien souvent blanc). La danse sociale est un lieu de rencontre, voire même de séduction pour certains et pour certaines danses, notamment les danses latines où les tenues sexy sont légions viennent renforcer cette idée que les gens sont là pour séduire alors qu’ils peuvent vouloir simplement être à l’aise.

Être jeune, beau, mince et sexy n’est pas non plus à la portée de tout le monde et c’est un combat qui concerne tout le monde que d’inclure tous les types de personnes dans les communautés de danse.

C’est le propos de la danseuse et chorégraphe Amrita Hepi dans ce TedX inspirant sur les gens confrontés à la fois à l’image de leur propre corps, mais aussi au regard des autres et qui varie en fonction de leur origine, leur âge, de leur vêtements ou de leur corpulence. (en anglais)

Je trouve qu’il est important de savoir qu’en danse aussi on peut être discriminé pour notre physique ou notre âge, ne pas correspondre au « style » vestimentaire de la danse qu’on pratique (vintage pour le swing, talons aiguilles pour le tango…).

La grossophobie ou l’invisibilisation des femmes plus âgées est également un sujet peu exploité pour l’instant, mais notre rapport à l’invitation en danse est un sujet récurrent dans toutes les danses sociales.

Car après tout, tout le monde a bien le droit d’aller danser et de se faire inviter. Car pourquoi allons-nous danser ? C’est bien une conquête de soi, dresser son propre corps, retrouver ses racines, respirer, rejoindre une communauté, se réaliser… Cette superbe vidéo du Ontario Arts Council récapitule toutes les raisons qui nous poussent à aller danser, mais aussi tous les types de personnes.

Construction sociale et patriarcat

L’un des sujets qui revient le plus souvent, c’est bien évidemment la lutte contre le patriarcat, à base mouvement #metoo, lutte contre les agressions sexuelles, la culture du viol, et mon sujet préféré : les assignations de genre.

Les assignations de rôles genrées, c’est le principe historique selon lequel en danse de couple les hommes doivent guider (de manière ferme et virile) et que les femmes doivent suivre (de manière jolie et gracieuse).

Cette assignation est encore très présente dans toutes les scènes de danse, mais de plus en plus remise en question au profit d’un “et si je guidais ou suivais au fil de mes envies, et c’est bien normal ?”

Cette superbe vidéo intitulée « Dance Docs: Identidad » de la page Dance On fait la promotion de la danse dégenrée en bachata et plus largement dans les danses latines et de l’inclusion des personnes LBGT+.

Bien sûr l’idée n’est pas que les hommes devraient absolument suivre ou les femmes guider obligatoirement, mais beaucoup de réflexions sont en cours pour savoir si :

  • Maîtriser les deux rôles nous confond ou nous rend meilleur danseur
  • Apprendre les deux rôles en même temps est un frein ou un atout à notre développement de danseur
  • Apprendre les deux rôles en cours débutant est le système le plus inclusif ou non

A mon avis l’une des premières étapes est celle de la promotion de la danse dégenrée, commencer par simplement ouvrir les esprits à cette possibilité. La délicieuse chronique de Tanya Karen de The Social Dance Community décrit la petite expérience qu’elle a mené auprès des danseurs de bachata de différentes soirées alors qu’elle leur a simplement demandé lors de l’invitation « tu veux guider ou suivre ? ». Des réponses qui montrent à la fois qu’il y a encore du chemin à faire, mais qu’avec un peu d’humour on peut réussir à faire réfléchir les gens autour de nous en douceur et sans les culpabiliser.

Quand on parle de féminisme dans la danse, c’est bien souvent en référence au mouvement #metoo qui agite un peu tous les milieux de danse, car non la danse n’est pas ce microcosme d’ocytocine où tout le monde est gentil et inoffensif.

De nombreux organisateurs se sont penchés sur la question afin de rendre leurs événements plus sûrs, notamment en créant des safer spaces ou tout simplement en créant des règlements intérieurs explicites.

Au delà des débordements sexistes, ces règlements intérieurs sont aussi l’occasion de rappeler les règles de politesse et d’hygiène basiques qui sont parfois légèrement oubliées.

Les dessins du blog de tango les Pas Parfaits sont la parfaite et mignonne illustration que les règles de politesse sont pour tout le monde, pour le respect de tous !

Illustration – les Pas Parfaits

Culture de la danse

Quel rapport entre féminisme et la culture de la danse, me direz-vous ? Et bien je pense personnellement qu’on ne peut pas réfléchir à la place des femmes et des hommes dans nos scènes de danse, sans réfléchir aussi à notre légitimité en tant que personne.

Peut-on être respectueux des autres danseurs quand on ne sait pas exactement d’où vient la danse qu’on pratique et quelles pratiques ou croyances y sont associées ?

Les femmes et la danse, cette histoire ne date pas d’hier.

La construction de la féminité dans la danse (XVe-XVIIIe siècle) est le catalogue d’une exposition organisée par Centre national de la danse. Ce livre retrace la perception des femmes dans la danse, de la fin du Moyen Âge à la révolution française.

Il y est bien sûr question de morale, de religion, de position sociale, de symboles, de mythes, de danses de groupes, et bien évidement du corps de la femme.

Cette histoire de la danse sociale nous a façonnés, et quand je regarde la conférence dansée « Femmes : Corps dansants » animée par Béatrice Massin et Marina Nordera, responsable scientifique de l’exposition « La construction de la féminité dans la danse », je ne peux m’empêcher de songer qu’on revient de loin mais qu’on est pas encore sortis de l’auberge non plus.

L’histoire de la danse sociale comporte plusieurs dynamiques qui nous influencent aujourd’hui dans nos pratiques de danseurs.euses :

  • la construction sociale : modes d’invitation (le cabeceo au tango par exemple), assignations de rôles genrés…
  • dynamiques raciales et gentrification de la danse

En ce qui concerne la construction sociale, les communautés évoluent et font un gros travail sur ce qu’il y a à garder ou à changer (pour ou contre le cabeceo ? j’ai mon avis sur la question…). Pour ce qui concerne les dynamiques raciales, la gentrification de la danse ou l’appropriation culturelle, ce sont des problématiques beaucoup plus complexes et délicates à traiter..

D’ailleurs quand Amrita Hepi (voir plus haut) parle du rapport des femmes à leur corps, de leur accès à la danse, elle parle également de ses origines autochtones Bundjulung (AUS) et Ngapuhi (NZ). Ce n’est pas juste une femme qui danse. C’est une femme autochtone, et les regards qui se portent sur elle sont ceux de sa communauté, mais aussi les nôtres.

Si je refais la même danse qu’elle, je ne serais pas porteuse du même sens, ma relation au corps ne sera pas la même, et la perception que les gens en auront sera différente. Je suis française, et comme beaucoup de personnes en Europe je n’ai pas/peu dansé entre mes 10 et mes 25 ans. Ma coordination, mon rapport au corps, ma manière d’interpréter la danse, mes repères sociaux et mes attentes, font que je ne danserais jamais le swing comme une afro-américaine, le forrò comme une brésilienne, ni le tango comme une argentine.

Comme le disait très justement le danseur de blues, swing, folk et tango Gregory Dyke dans son podcast Walk to Work – episode 25 « Respect and meaningfulness » (en anglais) « Les pratiques culturelles comme la danse ou la musique n’existent pas en tant qu’entités propres, mais existent parce qu’elles sont pratiquées au sein d’une culture, et plus précisément parce qu’elles sont pratiquées au sein d’une communauté.« 

En tant qu’individus, professeurs de danse ou organisateurs, nous avons différents niveaux de responsabilité vis à vis des cultures d’origine de la danse que nous pratiquons.

En tant que danseur.se, notre rôle est assez limité. On peut tout à fait danser le lindy hop aujourd’hui sans se soucier de ses racines afro-américaines, de la naissance de cette danse lors de la ségrégation, et que le prof afro-américain qui te fait le cours est directement héritier de cette culture là, contrairement à ton petit prof de banlieue qui a découvert la danse il y a 5 ans.

On peut également danser le tango argentin en robe de soirée avec des chaussures à 200 euros en oubliant que la danse est née dans les faubourgs de Buenos Aires et qu’il s’agit avant tout d’une danse populaire.

Ce qu’on peut faire en revanche, c’est faire des efforts pour que les personnes légitimes ne se sentent pas exclues de leur propre danse, d’écouter et de comprendre les dynamiques complexes qui malheureusement peuvent pousser des danseuses noires à s’exclure de certaines soirées swing. Ne pas dénigrer ou minimiser, mais bien essayer de comprendre, afin d’éviter ce qui se passe dans d’autres milieux comme le yoga où la représentation femmes blanches fini par complètement effacer les femmes indiennes.

En tant qu’enseignants de la danse, nous avons la responsabilité de transmettre les bases sociales et culturelles liées à la danse que nous pratiquons, et être garant d’une certaine authenticité. Enfin, il faut également être honnête sur notre rôle et nos limites. C’est à dire qu’il faut être clair avec les élèves, que notre savoir a des limites, que d’autres gens sont plus pertinents que nous, et les inciter à aller suivre l’enseignement / des stages approfondis sur la question. Bref, inciter les gens à en savoir plus.

En tant qu’organisateurs, de nombreuses associations s’efforcent de proposer des évènements au plus proche de l’ambiance d’origine, et s’assurer que les personnes les plus légitimes se sentent bienvenues et intégrées. Il existe de nombreuses initiatives en tous genres, par exemple dans le swing ça passe par l’embauche de professeurs ou de groupes afro-américains, à la mise à disposition de brochures sur les origines du swing, en passant par l’organisation de débat / conférences

Entre vidéos, panneaux, badges ou brochures mises à disposition, les associations rivalisent de créativité pour faire mieux connaître le contexte de leur danse

Sachez qu’il n’y a pas de réponses toutes faites à ces questions, mais il y a des gens qui y réfléchissent et essaient de faire changer les choses et nous pouvons remercier tous ces danseurs, professionnels ou non, investis dans leurs communautés de danse, qui questionnent, proposent, cherchent des solutions, font avancer les choses en écrivant des livres, des thèses, des articles, créent des vidéos, des films… Ce sont des danseurs comme vous et moi qui, au delà de la danse, mettent leur créativité au service de la communauté et de ses évolutions.

Clin d’œil à mes inspirations journalières : Tanya Karen de the SocialDance Community pour ses articles et ses vidéos inspirantes, Laura Riva de The Dancing Grapevine que je lis sans faille, Gregory Dyke et ses réflexions hebdomadaires qui bien souvent me dépassent par leur complexité et leur créativité, Yehoody.com et leurs très interessants articles sur le lindy hop, le groupe de Safety Dance: Building Safer and Empowered Social Dance Communities, et ma dernière découverte en date, la page Break the dance roles